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Reanudación de los festejos

La Feria de Pedro Romero 2026 recuperará los festejos tras dos años sin celebrarse por las obras de consolidación de la Plaza de Toros de Ronda, iniciadas en junio de 2025. La reanudación es posible gracias a la programación de los trabajos de intervención promovidos por el equipo directivo de la Real Maestranza y el estudio de Ricardo Aroca, orientados a alcanzar la fecha prevista de celebración. En este marco, el arquitecto del proyecto, Ricardo Aroca, comunicó directamente a Francisco Rivera Ordóñez la previsión de disponibilidad de laPlaza para los festejos.

Conmemoración

Los festejos taurinos de la Feria de Pedro Romero 2026 incorporan dos efemérides: la 42 Corrida Rondeña de Rejones homenajeará a Álvaro Domecq Romero, y la 67 Tradicional Corrida Goyesca conmemorará el 75 aniversario de alternativa del maestro de maestros Antonio Ordóñez.

Acto de presentación de los festejos taurinos de la Feria de Pedro Romero 2026. Fotografía: José Luis Barea ©

Festejos taurinos

Viernes, 4 de septiembre, 18:00 h.

Extraordinaria novillada sin picadores, con reses de la ganadería Aguadulce, para los novilleros Jaime de Pedro (Granada), Armando Rojo (La Puebla del Río) y Héctor Nieto (Ronda).

Sábado, 5 de septiembre, 11:30 h., matinal.

42 Corrida Rondeña de Rejones, homenaje a Álvaro Domecq Romero, con reses de la ganadería David Ribeiro Telles para los rejoneadores Rui Fernandes, Diego Ventura, João Ribeiro Telles, Léa Vicens, Sebastián Fernández y Duarte Fernandes.

Sábado, 5 de septiembre, 18:00 h.

67 Tradicional Corrida Goyesca, conmemoración del 75 aniversario de alternativa del maestro de maestros Antonio Ordóñez. Un toro de la ganadería David Ribeiro Telles para el rejoneador Diego Ventura, y seis toros de Garcigrande para los matadores Morante de la Puebla, José María Manzanares y Juan Ortega.

Ignacio Herrera de La Muela, María de la Paz Fernández Lobato y Francisco Rivera Ordóñez junto al cartel de los festejos taurinos de la Feria de Pedro Romero 2026. Fotografía: José Luis Barea ©

La obra

El cartel se articula en tres módulos rectangulares independientes que muestran, mediante variaciones de color, un detalle de la cornamenta del toro. El módulo intermedio se plantea como una construcción geométrica, a modo de burladero, y como un espacio donde las formas triangulares se configuran como un patrón continuo, como una especie de latido. Éstos, de forma punzante, aceleran el tiempo y pulso del transcurso de la corrida variando la gama cromática, del verde al rojo, en la parte alta de la composición.

Sobre esta capacidad compositiva del artista, el ensayista Enrique Andrés Ruiz señala, con motivo de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, inaugurada el pasado mes de noviembre en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: «Es precisamente ahí, entre las bandas horizontales que evocan ese mundo activado sin interrupción por flujos cableados, donde el pintor-muy pintor nos ofrece -fíjense en su visita- la ranura de un leve desplazamiento del pincel, el color humano que se transparenta bajo la superficie. Son mínimos accidentes por los que se cuela la vida, el testimonio de un arte que resiste.»

Juan Uslé

La pintura del artista se basa en la experiencia urbana, con atención a Nueva York, ciudad a la que se traslada a finales de los años ochenta. La percepción de sus estructuras y espacios influye en su trabajo, y articula una combinación de elementos geométricos y orgánicos. En su práctica mezcla colores y los aplica por dispersión sobre tela, construyendo imágenes abstractas a partir de patrones, luz y color. En cada composición combina organización y estructura con la aparición de lo inesperado, y analiza el origen de imágenes vinculadas a esa experiencia, desde un juego de antítesis formales.

Desde 1987 alternó residencia entre Nueva York y Saro (Cantabria). Participó en Bienal de São Paulo (1985), Documenta 9 (1992), Bienal de Estambul (1992) y Bienal de Venecia (2005). Realizó exposiciones individuales en IVAM (1996), MACBA (1996), Museo Reina Sofía (2003), Fundación Botín (2004), IMMA de Dublín (2004), SMAK de Gante (2004), CGAC de Santiago de Compostela (2013), Kunstmuseum Bonn (2014) y Bombas Gens Centre d’Art (2021), entre otras. Su obra se incorporó a colecciones públicas y privadas internacionales. En 2002 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha programado una exposición retrospectiva de su obra titulada Juan Uslé. Ese barco en la montaña, visitable del 26 de noviembre de 2025 al 20 de abril de 2026.

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«Elegía/Ronda», Alfonso Albacete. Toros en Ronda 2023.

Testigo de una época de búsqueda y renovación artística, la obra de Albacete posee una estética particular, caracterizada por un impactante cromatismo vital abierto al diálogo recurrente entre abstracción y figuración. La impronta de sus estudios de arquitectura se plasma en sus composiciones de interiores y en la estructura de sus obras. En su trayectoria artística es frecuente la temática de estudios, interiores y paisajes.

La obra que ilustra el cartel, titulada «Elegía/Ronda», presenta en primer plano la figura del toro bravo que con fuerza dirige la atención del espectador al centro del ruedo, donde le espera la figura principal del torero. El lance queda enmarcado por una geometría donde el paisaje se representa con diferentes texturas y formas, que se completa con una paleta de colores donde se muestra el comienzo del atardecer. La primera parte del título hace referencia a la sexta elegía compuesta por el poeta Rainer Maria Rilke.

Desde la década de 1970, Alfonso Albacete ha expuesto en las principales galerías y museos de España. Sus últimas exposiciones han sido en Galería Marlborough (Madrid, 2020), Fundación Lázaro Galdiano (Madrid, 2019), y la antológica «Las razones de la pintura» en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla, 2018).

Sus obras forman parte de los fondos de importantes colecciones nacionales e internacionales, como Banco de España, Comunidad de Madrid, Senado de España, Helga de Alvear, Fundación La Caixa, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Patio Herreriano de Valladolid, Colección Würth de Alemania, Colección Dobe de Zúrich, White House de Washington o Colección Lambert de Bruselas.

El 12 de marzo de 2023, Alfonso Albacete ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, como académico de número por la sección de Pintura, con la disertación «Bosquejo de pintura hablada».

Espectáculos taurinos

Los espectáculos taurinos que se celebrarán durante la Feria y Fiestas de Pedro Romero 2023 serán los siguientes:

• el viernes 1 de septiembre a las 18:00 horas, con novillos de la ganadería de Jiménez Pasquau, tendrá lugar una Extraordinaria Novillada sin Picadores, para los novilleros «Moli de Ronda», Manuel Sanz de la Puerta (de Sevilla) y Olga Casado (de Segovia).

• el sábado 2 de septiembre a las 11.30 horas (matinal), con toros de la ganadería de Fermín Bohórquez, se celebrará la 41 Corrida Rondeña de Rejones, con la participación de los caballeros rejoneadores Rui Fernandes, Francisco Palha, Andrés Romero, Sebastián Fernández, Duarte Fernandes y Ferrer Martín.

• el sábado 2 de septiembre a las 18:00 horas, con toros de la ganadería de Daniel Ruiz, será el momento de la 66 Tradicional Corrida Goyesca, protagonizada por los matadores «Morante de la Puebla», José María Manzanares y Andrés Roca Rey.

Cartel de la Goyesca 2023

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Dejando a un lado las representaciones de toros desde la prehistoria, ligados a ritos sacrificales y religiosos, mas algunos antecedentes y testimonios de lo que podría ser una tauromaquia primitiva en períodos sucesivos, desde la antigüedad clásica hasta el medioevo la fiesta de los toros tal como la conocemos, convertida en espectáculo, arranca a finales del siglo XVIII con la emergencia del toreo de hombres a pie, una vez superado el toreo aristocrático. En este asunto tienen una importancia capital los dos toreros que inauguraron la plaza de toros de Ronda, Pedro Romero y Pepe Hillo, representantes de las escuelas rondeña y sevillana, respectivamente. Será a partir de entonces cuando las corridas de toros comenzarán a ejercer su atracción para los creadores plásticos nacionales y extranjeros.

Está constatado que la invasión napoleónica y el consiguiente saqueo trajeron como consecuencia que Europa redescubriera fascinada a Velázquez y la excelsa pintura española del Siglo de Oro, y a Goya, cuya influencia en las posteriores corrientes artísticas es manifiesta. En el caso concreto de la temática de asuntos taurinos su ascendencia alcanzará en el siglo XX a otro genio español, Picasso. Sus toros, sus retratos de toreros (como los de los hermanos Romero, Pedro y José), sus escenas, desde las coloristas a las dramáticas planchas de su Tauromaquia, el ambiente del público en los tendidos, sus picadores y sus caballos son trascendentes. Como sostiene Martínez-Novillo (El pintor y la tauromaquia. Ed. Turner, Madrid, 1988) “es un hecho que quien introduce los toros por la puerta grande del arte universal es Goya”.

«Pedro Romero matando á toro parado». Francisco de Goya, 1814-1816. Grabado. Colección-RMR.

En el Romanticismo se sitúa la figura del madrileño Eugenio Lucas Velázquez (1817-1870), pintor de cuya vida se conoce poco y al que la comparación con Goya no le hizo justicia, hasta el punto de que muchas de sus obras se atribuían al aragonés. Sus temas taurinos son preferentemente festejos populares, desordenados, de colores intensos y pincelada suelta, que tiene su paralelismo en el vibrante estilo de Eugene Delacroix, otro enamorado de la fiesta. Durante este período abundan las series de estampas nacionales y extranjeras (francesas e inglesas en su mayoría) con su predilección por las vestimentas de los toreros, convertidos en héroes, y los capítulos de la lidia. Se imprimirán “tauromaquias” inspiradas más en Antonio Carnicero (1748-1814) que en Goya, como las de W. Gäil, W. Lake Price, H. Clarck, V. Adam. G. Doré, P. Blanchard…

Pintores como Mariano Fortuny y el francés Édouard Manet prolongan en varias de sus obras esa atracción que se extiende por Europa. Incluso Van Gogh, a finales del XIX, reproduce el ambiente de una corrida en Las arenas de Arlés. Autores nacionales como Sorolla, Zuloaga o Vázquez Díaz mantienen el interés por el tema taurino, pero será Pablo Picasso y su descomunal producción el que proyecte el asunto en la órbita de las vanguardias artísticas internacionales del siglo XX con sus innumerables dibujos, grabados, apuntes, aguadas y óleos, su serie sobre la figura del Minotauro, que tanto atraía a los surrealistas, y sobre todo su Guernica para el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937, en el que la presencia de la corrida está desde sus primeros bocetos. Picasso siempre tuvo un ojo puesto en Goya.

«Torero». Pablo Picasso, 1970. Óleo sobre lienzo. Sucesión Pablo Picasso.

Maestros del cubismo como Juan Gris o Georges Braque no escapan a este influjo, como el dadaista Max Ernst, y Miró, Dalí, Benjamín Palencia, Manolo Millares y Antonio Saura, con sus Sauromaquias. Son legión los pintores que en época contemporánea recrean el mundo taurino en algunas de sus obras (Francis Bacon, Fernando Botero…), como la pléyade actual que en gran parte está representada en la colección de carteles de Ronda, con el citado Manuel Arroyo, Eduardo Úrculo, Perez Villalta, Barceló, Campano, Guinovart o Ricardo Cadenas entre otros.

Más información sobre el Fondo de Carteleria de la RMR: http://bit.ly/RMR_XLIII_Goyesca_carteles

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Plaza de toros de Ronda. Compañía de variedades. Doble espectáculo. 1 de junio de 1905. Archivo RMR.

En origen, la mojiganga era una obrita de teatro que se representaba en el Siglo de Oro como entreacto de las comedias, en la que salían personajes vestidos de forma extravagante, disfrazados y con máscaras para entretener al público. Ya se hacían representaciones cómicas del toreo caballeresco en el siglo XVII, y luego tuvieron mucha popularidad en los dos siglos siguientes, XVIII y sobre todo XIX durante el reinado de Isabel II. En los grabados de la «Tauromaquia» de Goya se representan algunas escenas de mojigangas. Nunca se dieron en corridas serias y eran corrientes como entremés de novilladas.

Función de mojiganga. Francisco de Goya. «Tauromaquia», estampa G. 1814-1815.

Cossío señala 1820 como la fecha en la que la mojiganga adquiere su carácter de pantomima, representaciones inspiradas en obras teatrales o de zarzuela, con intervinientes disfrazados de personajes históricos o literarios como Don Quijote o El Cid y otras figuras conocidas. Participaban peones sin cuadrilla, toreros menores o aspirantes que encontraban de esa forma una posibilidad de seguir en el negocio taurino. Hubo muchas mojigangas que tuvieron gran éxito, eran reclamadas por el público y se representaban en varios sitios, como “Los contrabandistas de Sierra Morena”, “El sultán y las odaliscas”, “El doctor y el enfermo”, “La cueva de Fierabrás”, “La venta de mal abrigo o el robo de la diligencia”, “El diablo cojuelo” o “La redoma encantada”, que es la que se celebró en Ronda en la fecha que anuncia el cartel.

Esta mojiganga se remonta a 1840, y aunque no se conoce la versión que se montó en Ronda, ya entrado el siglo XX, el guión original incluía de antemano un castillo en la plaza, iniciando la función una comparsa con tambor batiente capitaneada por el insigne Garabito para hacer varias evoluciones “ridículas” para diversión del público antes de entrar a defender el castillo. Emplazados los centinelas, salía otra comparsa vestida a la antigua al mando del conde de la Viznaga acompañado de su mayordomo Laín Cornejo para ayudar a su amo y para recobrar a su propia esposa, Pascuala, que está dentro del castillo con su amante Garabito. Iniciado el asedio del castillo, las dos comparsas se cruzaban fuego hasta la explosión que destruía la fortaleza. En medio de la confusión entre asaltantes y prisioneros se soltaba un novillo embolado que acometía por igual a unos y otros; para su defensa, Laín Cornejo, que ya ha encontrado a su Pascuala, usaba dos burros que estaban dentro del castillo para montar en uno y subir a su esposa en el otro, tratando de huir de la refriega picando los dos al novillo con varas de detener; las dos comparsas, en su auxilio, banderilleaban al novillo y al final el famoso Garabito empuñaba la espada para acabar con la res.

Bibliografía

J. M. Cossío. Los toros. Tratado técnico e histórico, vol. I. Espasa Calpe, Madrid, 1943.
J.M. Martínez Parras. Otras Tauromaquias. Cuadernos de Aula Taurina. Consejería de Gobernación, Junta de Andalucía, 2007.

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Cartel LVII Corrida Goyesca y Feria de Pedro Romero 2013. Francisco de Goya

“Lance de capa en un encierro”, título de la obra de Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, 1746 – Burdeos, 1828), permaneció expuesta en una de las salas del Museo de la Real Maestranza entre 2013 y 2018, en calidad de depósito temporal cedida por una colección particular. Se trata de un óleo sobre hojalata fechado en 1793 de 43×31 cm.

El texto informativo que acompañaba a la pieza fue elaborado por el profesor Pedro Romero de Solís, que por su interés reproducimos a continuación:

A comienzos de 1794 Goya remite a la Academia de San Fernando de Madrid una colección de once pequeños cuadros de gabinete, todos ellos pintados sobre hojalata y de similares dimensiones, para que sus profesores pudieran comprobar cómo el artista, recién superada la gravísima enfermedad -casi mortal- que sufrió en Andalucía, de resultas de la cual quedó sordo, conservaba todavía sus plenas facultades para seguir desempeñando dignamente el empleo de pintor de cámara del rey de España.

Acompañaba a estas pinturas una expresiva carta de Goya a don Bernardo de Iriarte, Viceprotector de dicha Academia, en la cual el artista explicaba que había realizado estas obras no sólo para intentar resarcirse de los grandes gastos generados por la curación de sus males, sino también para distraer su espíritu, lo cual había seguido su propio capricho e inventiva, tanto en la elección de los temas como en su ejecución, por lo que había gozado de una libertad que no tenía habitualmente en las obras de encargo.

En San Fernando consta que los cuadros remitidos por Goya tenían como tema varias escenas de diversiones nacionales, así las hay dedicadas al teatro ambulante, a la venta de marionetas y a diversas faenas relacionadas con las fiestas de toros, siendo éstas últimas las más numerosas. Hay ocho de tema taurino, cinco situadas en plazas estables y otras tres en espacios exteriores –afueras de Zaragoza, un cortijo y una dehesa-, repartidas por diversos museos y colecciones españolas e internacionales. A principios del siglo XX, la mayor parte de las taurinas pertenecían al marqués de la Torrecilla, por lo cual aparecen citadas como la “Serie Torrecilla” (Cossío II, 751 y ss).

La pintura que aquí contemplamos pertenece a esta decisiva serie goyesca y representa una escena previa a la corrida, cuando se encerraban los astados en los toriles desde la arena de la plaza, al igual que ahora sigue sucediendo en Pamplona durante los sanfermines. La piara de toros colorados es guiada por un picador, un subalterno con la guindaleta –o lazo- y un capeador, que ejecuta un lance de capa por detrás en el primer plano de la composición. Por la riqueza de su atuendo, aquí la está realizando un matador. Dado que José Delgado, “Pepe-Illo”, afirmó categóricamente en su célebre “Tauromaquia o Arte de Torear” (1ª. ed. Cádiz 1796), que está suerte la había inventado él, es muy posible que Goya haya querido retratar en esta pintura al famoso torero sevillano en acción.

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Cartel LXI Corrida Goyesca y Feria de Pedro Romero 2017. Chema Cobo

Chema Cobo (Tarifa, 1952) inició su andadura con su primera exposición en 1974 en la mítica Galería Buades, uno de los focos de la eclosión artística que agitó la capital de España en los años ochenta del siglo pasado y que sirvió de palanca al grupo de la Nueva Figuración madrileña, que surgió para superar la dicotomía abstracción-figuración, con planteamientos muy personales, irónicos, con elementos provocadores en los que jugaba un papel fundamental el color. Incluía, en torno a la figura de Luis Gordillo, autores como Carlos Alcolea, Guillermo Pérez Villalta, Carlos Franco o Manolo Quejido entre otros.

Su carrera está salpicada en esa década de numerosas exposiciones individuales de ámbito internacional en Seattle, Boston, Roma, Milán o Berna. En los noventa fue profesor invitado en la NY School de Nueva York y en el Art Institute de Chicago. En su evolución se separa de los preceptos inciales y explora territorios vinculados al neoexpresionismo y la transvanguardia. Autor de una prolífica obra, juega con aforismos (reunidos en sus libros Amnesia I y II), pensamientos propios del arte conceptual y mitologías propias para trasladarlos a una visualización figurativa movida por un inquieto eclecticismo. “Mis escritos sí serían bocetos de mis dibujos, pero mis dibujos no lo son de mis cuadros”, declaró en una ocasión.

Premio Andalucía de Artes Plásticas 1994, su obra está presente en museos y colecciones públicas como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, Kunstmuseum de Berna, Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia o Museum of Contemporary Art de Chicago.

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Tradicional LX Corrida Goyesca. 2016. Luis Roldán

Luis Roldán se graduó como arquitecto en la Universidad de Bogotá, pero nunca ejerció como tal. Se trasladó a París en 1979 con una beca, siguiendo la estela de muchos artistas de su país (Luis Caballero, Saturnino Ramírez, Antonio Barrera, Santiago Botero) explorando el terreno de la abstracción radical, pero en su evolución posterior, tras su vuelta a Colombia y su estancia prolongada en Nueva York, donde reside, ha experimentado diferentes disciplinas y medios de expresión: instalaciones, montajes escultóricos, fotografía o vídeo, sin abandonar la pintura y sobre todo el dibujo, para el que está particularmente dotado.

El mismo año que entrega su obra para el cartel de esta Corrida Goyesca, el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá le dedicó una retrospectiva, “Luis Roldán. Periplo”, que recorre los treinta años de su trayectoria y sus diferentes etapas. Una de las características de su producción es la concatenación de elementos aparentemente aislados, retazos de alguna idea inicial, de distintos materiales y procedencias que invitan al espectador a encontrar la comprensión que justifica el conjunto de lo que se muestra. La continua experimentación es una de sus características, como él mismo asegura: «Andar siempre por lo seguro vuelve aburrido a un artista». En la actualidad es uno de los creadores plásticos colombianos de mayor repercusión internacional.

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LIV Tradicional Corrida Goyesca. 2010. Din Matamoro

Din Matamoro nació en Vigo en 1958, donde actualmente reside y trabaja. Licenciado por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, que más tarde reconoce que tuvo que desaprender lo que le habían enseñado, asiste al taller de Antonio Saura del Círculo de Bellas Artes y se relaciona con los creadores emergentes de la llamada movida. Posteriormente, a través de sendas becas transita durante un tiempo por Nueva York y Roma, se instala en Madrid durante unos años antes de regresar a su ciudad natal. Su obra, de carácter fundamentalmente informalista, tiene referencias del simbolismo y minimalistas, como se aprecia en el cartel de esta edición. En su última etapa no desdeña los recursos de las redes, y a través de Instagram publica fotografías de sus producciones.

En 2016, Eduardo Matamoro Irago, que es su nombre completo, ingresó en la Real Academia Galega de Belas Artes (RAGBA) como miembro numerario de la sección de pintura y grabado. En su discurso de entrada explicó asuntos relacionados con su proceso de creación, como los cuadernos de apuntes y la importancia del dibujo para interiorizar recuerdos y contenidos. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, y obras suyas figuran en varias colecciones permanentes, como la del Banco de España, Academia de Bellas Artes de Roma y Centro Galego de Arte Contemporáneo.

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LXII Tradicional Corrida Goyesca. 2018. Carmen Calvo

En la obra de Carmen Calvo (Valencia, 1959) se dan cita distintos elementos y recursos derivados de su formación en principio, y de su curiosidad después en la exploración de variadas disciplinas. A sus estudios previos de Publicidad y en las escuelas de Artes y Oficios y de Bellas Artes de su ciudad natal, se añade el interés por la arqueología, su experiencia en una fábrica de cerámica que le servirá para introducir la cerámica y el barro cocido en sus producciones y un amplio arco de referencias que van desde pintores del Renacimiento, Van Gogh y su forma de pintar o los estímulos que recibe del Pop Art, con incursiones en la intervención de edificios públicos y privados tanto efímeras como permanentes.

Con estancias muy productivas en Madrid (Casa de Velázquez) o en París, a mediados de la década de los ochenta gira la atención hacía las posibilidades de las imágenes fotográficas, en las que puede dislocar conceptos y significados, como es el caso del cartel que nos ocupa. Ella misma lo explica: «Es un cartel, probablemente diferente, con imágenes de tiempo, solera y de participación como siempre fueron las mujeres en la fiesta. Ellas, en el cartel, nos miran desde el tendido». Un cartel que recupera el ambiente reflejado en numerosos grabados y estampas románticas con la habitual presencia femenina, que tanto asombraban a los extranjeros, y las palabras de un viejo maestro que sostenía que no merece la pena ser torero si una mujer no te mira.

En 2013 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas y desde 2014 es académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. De sus exposiciones se pueden destacar su participación en New Images from Spain (1980) en el Museo Guggenheim de Nueva York y en la primera edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO en 1982 con la Galería Fernando Vijande. En 1990 el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) le dedicó una amplia retrospectiva, y el Museo Reina Sofía una muestra monográfica en 2003. Más recientemente, en la Sala Alcalá 31 de Madrid se montó otra amplia exposición sobre el conjunto de su obra (1969-2016) con un sugestivo título, Todo procede de la sin razón, seguida en 2018 de su participación en PhotoEspaña con ¡Quietud y vértigo!

Sobre su obra y colecciones en la que está presente se puede consultar su web: www.carmencalvo.es

Más información sobre la colección: bit.ly/RMR_Goyesca

Para contactar con el Museo: museo@realmaestranza.org

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LVI Tradicional Corrida Goyesca. 2012. Pedro Moreno Meyerhoff.

Moreno Meyerhoff (Barcelona, 1954) se adscribe a la corriente realista, que en algunas de sus obras puede acercarse al hiperrealismo, tendencia surgida en la década de 1960 vinculada al pop art, sobre todo en Estados Unidos (con nombres como Chuck Close, Richard Estes, Don Eddy y otros) que utiliza como punto de partida la fotografía de un motivo para trabajarla pictóricamente de tal modo que se perciban matices que la fotografía no enseña. En España autores como Antonio López, Eduardo Naranjo o el chileno Claudio Bravo son representantes de esta tendencia.

En el caso de Moreno Meyerhoff hay que resaltar que combina esta actividad con la de estar doctorado y ser profesor de Derecho Procesal. Se asomó a la pintura por influencia paterna y continuó de manera autodidacta, hasta convertirse en uno de los referentes españoles actuales del realismo, que en su caso se nutre de distintas fuentes, desde los pintores primitivos y el clasicismo renacentista a las tonalidades de artistas abstractos para componer paisajes urbanos o naturales, interiores, bodegones como estudios de luz o, como es el caso que nos ocupa, escenas y figuras de toreros, ya que es aficionado a la fiesta taurina por lo que tiene de manifestación ancestral.

Su primera exposición fue en 1972, en Barcelona, punto de arranque de numerosas muestras individuales. La galería Claude Bernard de París lo representa desde 1990. Obras suyas están presentes en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, la Fundación La Caixa, el Kunstmuseum de Wupperthal de Alemania y en numerosas colecciones privadas internacionales.

Más información sobre la colección: bit.ly/RMR_Goyesca

Para contactar con el Museo: museo@realmaestranza.org

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